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Daphne Guinness戴著面紗像中世紀的公主，在她的墳墓前躺著，死寂般平靜，只有一只帶著鎧甲“手套”的手在顫抖著。

上周在倫敦舉行的這個活動， Guinness女士和珠寶商Shaun Leane之間的合作是一個極端追求時尚的活動，她把自己作為展覽品，代表了現在時尚與藝術之間的紐帶關系。

無疑，時尚已經成為大贏家，也是展覽會的造錢機。

世界各地任何時刻至少有十幾個博物館提供給主流時尚展示的舞臺——更不用提那些在畫廊或者甚至在百貨公司里舉辦的展示了。

Guinness女士在展示的同時，一個私人攝影展在倫敦Somerset House展出：“大師風范”，用意大利時尚產業標志性的廣告活動的照片——從Armani到Ferragamo再到Prada（展覽時間一直到8月14日）來紀念意大利統一150周年。

本周在巴黎the Musée des Arts Décoratifs（裝飾藝術博物館）會有概念設計師Hussein Chalayan的展覽開幕。（展覽時間一直到11月21日。）

Valentino可能是數字展覽的先驅，在周三推出一次吸引人的活動，即提供了一個在線探索服裝設計師時尚歷程的活動。

周四，高級女裝系列將在凡爾賽的Grand Trianon（大特里亞農）慶典展覽“重返18世紀時裝”（展覽時間一直到10月9日）中閉幕。慶典由Olivier Saillard擔任策展人，秀演將展示當今的設計師，從Jean Paul Gaultier到Vivienne Westwood，還有傳統服裝和配飾。

同樣在巴黎Bourdelle博物館Madame Grès（葛蕾夫人）展（展覽時間一直到8月28日）背后受到贊譽的是負責人Saillard先生，Palais Galliera博物館的創意總監。他的展覽創造了服裝和雕塑之間進行對話的景象。

時裝展覽因此已經達到時尚的高度——且無所不在。這一全球現象包括Alexander McQueen在紐約Metropolitan Museum of Art（大都會藝術博物館）上演的“Savage Beauty（野性美）”秀演。（由于秀演受歡迎延期至8月7日）。那里是時裝展覽會的發源地，在當時博物館館長Philippe de Montebello和Diana Vreeland的管理下，在1983年對Yves Saint Laurent進行了研究——成為有史以來的第一個為還活著的設計師在博物館里舉辦的服裝秀。

去年在巴黎Petit Palais（小皇宮）的一場展覽又將Saint Laurent推到了舞臺中央——但是這次是在他去世以后。

設計師和品牌的延續性為這些具有里程碑意義的活動，能連續不斷的舉辦提供了機會。

Montreal Museum of Fine Arts（蒙特利爾美術博物館）上演的Jean Paul Gaultier的服裝秀“從時裝T臺到人行道”（活動延續到10月2日）代表著這位標新立異的設計師35年的時尚生涯。館長Nathalie Bondil堅定不移地獨立策劃和資助秀演，并預定將巡游世界進行展出——從達拉斯、舊金山穿越馬德里和鹿特丹。

巡回展出的現象，起到了極大的全球影響力，是博物館世界里另一個拓展方向。

時尚真值得展出嗎？而且，更重要的是，有沒有明確的標準，對各種各樣的秀演進行評斷？

人們涌入莫斯科Pushkin Museum（普希金博物館）為了看一場“Inspiration Dior（靈感Dior）”展覽（展出到7月24日），由Dior公司策劃，將時尚與現代藝術主流作品作比較。在上海，有異曲同工之妙的“文化Chanel”，把展品與現代主義展覽相融合，10月活動就將移師北京。

這樣自籌資金的展覽不是純粹的宣傳——他們有一個藝術基礎。但他們也強調一個品牌的歷史，用世界上最大的奢侈品市場產品來教育民眾。

博物館展覽的發展只是這千年內時尚本身發生變化的縮影。隨著技術發展、即時圖像和全球參與度的影響，時尚已從小眾喜愛的群體發展到“萬人迷”——甚至成為了一種娛樂——對每個人來說。

正如巴黎Musée des Arts Décoratifs（裝飾藝術博物館）館長Beatrice Salmon說的，之所以有那么多展覽是因為時尚始終吸引了大批觀眾。

博物館從某些方面改變了設計師對待他們自己的檔案室。西班牙Getaria的一家新博物館是Cristóbal Balenciaga的發源地，里面的禮服都有自己的主人，其中有些人在今年夏天的開幕式上出現過。Hubert de Givenchy是Balenciaga博物館背后的力量，花了十年時間說服那些女士來捐贈服裝。

編輯Hamish Bowles則略有不同。Hamish Bowles去年在紐約及最近在舊金山de Young Museum（德揚博物館）舉辦Balenciaga的展覽。Bowles先生曾去過現任Balenciaga的設計師Nicolas Ghesquière的檔案室。但作為舊金山博物館的客席策展人，他與博物館的檔案人員及其他出借服裝的人一起辦展。

30年前，這樣處理歸檔的檔案是不符合標準的做法。Katell le Bourhis在1983年和Vreeland女士一起舉辦Saint Laurent展，Katell le Bourhis記得公司為Met's Costume Institute（Met's服裝學院）秀演只提供了一件棕色蕾絲裙。Vreeland女士自己作為Saint Laurent的捐獻者，請求幾位美國婦女來捐禮服。直到之后YSL的合作伙伴Pierre Bergé建立了一個檔案室，這才標志著對時尚的接受度已不僅僅是一種裝飾藝術，而是文化遺產的一部分。

現在，所有的品牌都在不斷從過去汲取經驗發展現在——至少因為那些歷史是靈感的來源。Gucci 9月將在佛羅倫薩開一個專用的博物館。現任設計師Frida Giannini說這個博物館將是在一個15世紀的建筑里，那里以前是她的辦公室。博物館將“融合時尚與藝術”。

值得注意的是，意大利大師Giorgio Armani 2000年在紐約Solomon R. Guggenheim 博物館的展覽引起了爭議，因為設計師就是服裝的捐獻者。巴黎Les Arts Décoratifs首席藝術館長看到這個展覽就是“改變現狀”的一個例子。

正如Bowles先生所投入的那樣，各方面的努力都用于重振過去，并提供“沖擊視覺的熱情”，由此提出一個簡單的問題：時尚展覽要展出什么？

其中隱含的問題是：誰將成為星火相傳的人，尤其對于還活著的設計師來說？一個獨立的博物館館長應采取客觀的參與，還是與設計師協同工作？公司舉辦一場展覽是否能被認為是客觀的？

Victoria和 Albert博物館資深時尚策展人Claire Wilcox講述了她一生舉辦展覽的經驗，并說她讓自己采取傳統的方法進行“多年的研究”。因為博物館重視藝術品和手工藝品，策展人同樣需要參與紡織品的保護和在這一領域里的創新。她還注重目錄和網上獲取的圖片，這是因為她在與“世界上最美妙的收藏”打交道，她開始“理解設計詞匯中的含義”。

相比之下，由Wilcox女士在2007年策劃的“時裝的黃金時代”，展覽從歷史的角度，提出了一個技術點——V&A公關策劃主任Damien Whitmore說，博物館需要承擔一部分責任。

Whitmore先生說“我們的重點是策劃，因為我們展出的產品系列是多種多樣的。”他已經在世界各地舉辦過100個各種大小的展覽了。

贊助這方面是微妙的。因為博物館缺少資金，幾乎大多數時尚展覽都會引入一些外部投資。Saillard先生甚至對贊助商感到沮喪——時尚界或藝術界——總是同樣被大博物館所吸引，即使博物館創作團隊做著研究，但這些有錢的品牌也不會嘗試資助博物館。另館長的懊惱是，像LVMH集團和PPR這樣的奢侈品集團就投資當代藝術項目，而非時尚博物館。

在Montreal，Bondil女士堅持“博物館不是一個陳列柜。”

她說：“獨立有時是昂貴的，但自由是無價的。我討厭'大片'這個詞。如果把我們與電影比較，我們屬于獨立的環節——而不是好萊塢的一部分。回想第一次在舊金山舉辦的Saint Laurent展覽，我堅持要有獨立的策展人和專家。在我的印象中，不能相信沒有獨立前景的展覽還是一個活躍的商業品牌。”

雖然Bondil女士在尋找資金并主要策劃當代藝術展覽——而不僅僅是時尚，作為一個復雜的課題，Antwerp（安特衛普）MoMu主任 Debo女士拒絕把贊助作為一個道德問題看待。

Debo 女士說：“我認為沒有問題。這主要歸結為如何協作。有時媒體都太多疑了，認為博物館不能決定什么。重要的是如何運用協作和如何達成意見一致。”

然而，很難想象是如何給予深刻、批判性的評價，這些評價可能會在給予贊助的品牌策劃的一場展覽中出現——例如，幾年里最有創意的著名設計師之后就被超越了。

一些博物館對于時裝展覽應有的主題有著清晰的理解。舊金山（the Fine Arts Museums）美術博物館總監John E. Buchanan Jr.說首要考慮的是一個秀演對于長期收藏紡織、服裝、時裝系列的博物館來說，是否可以“找到它的長處，發掘它的起源”，他列舉了46 件Balenciaga陳列品讓Bowles的秀演增添了光彩。

Buchanan 先生說：“第二，時裝設計師是藝術家這個事實。對于一個專題展覽，我們尋找'天才的因素'。 我們希望設計者是充滿創意的——他們創造獨具特色的理念、廓形、技術或風格，與以前完全不同，他們具有廣泛深遠的作品可以連續激勵和影響幾代設計師。”

判斷一個設計師已經成為歷史還是較容易的，但是除了資金問題，另一個關于博物館展覽的爭論就是是否應該由一個還活著的設計師來倡導。

Debo女士認為由活著的設計師和策展者一起工作是必要。

雖然她說她已重新指導設計師的發布趨勢，展示他們的最新作品，Antwerp的策展人說：“與活著的設計師一起工作是有價值的。對于Dior，你不能去問Dior先生本人。”

然而，Bondil女士說：“我是一個藝術史學家，而不是一個時尚專家，博物館的使命是展示人們不太了解的作品，這也是表現卓越，其中包括展示高級時裝的高標準，并推廣到大眾。我的理解，設計代表一種特殊的興趣，大眾可以通過服裝的形式和功能，很容易地認出品牌。那樣才會吸引他們進入其他領域，學習更多的內容。”

Bondil 女士繼續說：“我們嘗試通過策劃，提倡社會和人類的價值遠高于藝術。藝術包含所有人能夠參與的信息，不僅是業余愛好者還有專家：博物館說的是一種通用語言。”

時尚是一種多形式的對話。其中的形式之一就是Guinness女士的沉思、賦予生氣的、時尚原創型。這不僅僅有Leane先生非比尋常的珠寶手套（花了五年時間制作）將在倫敦現代藝術掌門人Jay Jopling的White Cube Gallery（白立方畫廊）展出，而且這個展覽“Daphne Guinness”將在9月5日紐約的FIT（Fashion Institute of Technology時裝技術學院）的博物館開幕——時尚界的表演藝術家Marina Abramovic將帶來她令人振奮的藝術展示。


巴黎Musée Bourdelle（布德爾博物館）的The Madame Grès exhibition（葛蕾夫人展覽）（展覽持續到8月28日）是由巴黎Palais Galliera museum（加列拉宮殿博物館）的創意總監Olivier Saillard策展

盡管時尚已被證明是博物館的偉大藍圖，但它真值得這樣展示么？2008年Jean Paul Gaultier“Mermaids（美人魚）”服裝系列是在Montreal Museum of Fine Arts （蒙特利爾美術博物館）“從時裝T臺到人行道”展覽（一直持續到10月2日）的一部分，這是該系列中的一條禮裙。

展品的范圍從餐具到檔案室的精選品到廣告，就像由Albert Watson提供的Prada 1998年秋/冬系列的照片一樣。這是在倫敦Somerset House舉辦的“大師風范”展覽（展覽持續至8月14日）的一部分，展覽用意大利時尚產業標志性的廣告活動的照片——從Armani到Ferragamo來紀念意大利統一150周年。

“Balenciaga and Spain”展最近在舊金山de Young Museum（德揚博物館）閉幕。編輯Hamish Bowles負責策展，他去過現任Balenciaga設計師Nicolas Ghesquière用過的檔案室。但作為舊金山博物館的客席策展人，他與博物館的檔案人員及其他出借服裝的人一起辦展。

巴黎Musée Bourdelle（布德爾博物館）的The Madame Grès exhibition（葛蕾夫人展覽）（展覽持續到8月28日）倍受贊譽。Palais Galliera museum（加列拉宮殿博物館）的創意總監Olivier Saillard創造了一種服裝與雕塑對話的景象。

概念設計師Hussein Chalayan的展覽在巴黎Musée des Arts Décoratifs（裝飾藝術博物館）開幕（展覽持續到11月21日），展覽注重設計師的意象。這里是一件與Swarovski（施華洛世奇）合作的服裝，具有激光功能。


Chanel在上海展 示的“文化Chanel”，融合了現代主義的展覽。活動將在10月移師北京。這樣自籌資金的展覽不是純粹的宣傳——他們有一個藝術基礎。但他們也強調一個品牌的歷史，用世界上最大的奢侈品市場產品來教育民眾。

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